韓國單色繪畫 體驗東方修行繪畫態度與極簡之美

新網記者賴伊娃台北特稿
2010/3/3 下午 07:09:02 / 文化藝術

　台北市立美術館自3月6日於4月25日止，將展出「自然之色‧韓國單色繪畫：釜山市立美術館典藏展」。

韓國釜山市立美術館策展人安圭植與代館長陳文玲合照。(台北市立美術館提供)

　這項展出為韓國釜山市立美術館，首次以專題策展型式於海外展出其典藏作品，同時也是台、韓兩國公立美術館間大規模的美術交流。

　釜山美術館策展人安圭植表示，此次共選出28位藝術家、30件典藏品，因為是第一次與海外合作交流，因此選擇較具有韓國代表性的「韓國單色繪畫」做為主軸，希望能夠透過畫作，讓台灣觀眾欣賞韓國現代美術的特質。

　釜山美術館在本次展覽中，展現其積累多年在「單色繪畫」領域上的學術研究及收藏成果，展品囊括1970年代至21世紀初的韓國單色繪畫畫作，70年代時值韓國國內政治、經濟情勢的緊張與不安，思想的對立與自由的限制，單色畫便是在此紛亂多變的大環境下萌生。這一世代的藝術家純真而理性的以簡約的造型、優雅寧靜的色彩，不拘限於視覺表象，側重的是自然的內在形式，牽引觀者進入一處沉思冥想的空間，但各自又建立屬於自己獨特、清晰的視覺結構。

　安圭植表示，韓國單色繪畫具抽象風格，是受到歐洲抽象繪畫的刺激和影響，然而1970年代韓國藝術家掀起提高自我反省、發揮獨創的新風潮，並反對盲目的仿效西歐法，韓國單色繪畫便逐漸成型。他指出，展品特徵大致上同時具備西歐俗性和韓國特質，若能仔細觀察韓國單色繪畫的發展過程，有助於理解在東、西方文化「互相衝突」的大時代裡，韓國現代美術如何展現絕處逢生的韌性。

　總體來說，韓國單色繪畫的最大特點在於其作品「著重過程更甚於結果」，藝術家常常需要經過長時間的等於與思考，才能夠有所感悟，然後開始創作；經由不斷「重複」的方式來進行創作，在努力找出「不斷地變化、生成」的過程中探討透明性質的精神層面，並描繪「天人合一」的精神世界。例如欲表現一件「物像」時，畫家應當拋棄具體的形象，透過與物質直接對話的形式，在這種反覆、繼續的要求把「捨小我」而成就的畫家之修道，轉移至畫面呈現「順自然」的世界觀做最終目標。

　韓國單色繪畫畫家在創作時，重視「無欲」進入東方的修行精神世界，因此每一幅作品都需要耗費非常久的時間才能夠完成，透過長時間的忍耐、等待與堅持，來達到最後的成果，整個過程的態度近乎修行，此點是與西方主義最大不同的地方。70年代畫家於創作活動中最普遍應用的畫法，是在畫紙（布）上多次反覆非物質化的物質，使物質、精神和自然三者進入合而為一的境界，由此呈現屬於韓國人民的精神世界、還原於自然導致「表面無為」。現場也可以看到韓國單色繪畫的另一特色：材質的多元化。

　除有一般的畫布、畫紙、壓克力，也有以麻布做為基底，用水泥覆蓋於其上的創作，比較特別的也有用木頭點火燃燒後的煙，重複煙燻所完成的單色繪畫，以及用一大塊碳塊置於畫布上的極簡創作，都是平常非常難以見到的創作手法，也難怪韓國單色繪畫近年來在各界備受矚目。

　安圭植說，「希望台灣觀眾在欣賞畫作時，細察韓國單色繪畫的漸進過程，進而理解在東、西文化衝突的大時代背景下，韓國現代藝術家如何在貫徹『單色繪畫』的根基下相應發展。」他冀望本次的展出，將有助於探討韓國現代藝術的自然原相的繪畫風格。各位民眾不妨利用空閒時刻，前往北美館欣賞此次「韓國單色繪畫特展」，除觀賞畫作本身所呈現的極簡之美，亦放鬆身心靈，跟著畫家一起進入「天人合一」的精神世界，從畫作當中體驗出韓國的東方修行態度。